|^|창작 뮤지컬 <콩칠팔 새삼륙>이 6월 29일부터 8월 5일까지 충무아트홀 소극장 블루에서 공연한다. 2011 창작팩토리 뮤지컬 쇼케이스 부문에서 1위를 차지한 작품이다. 액터-뮤지션 뮤지컬 <모비딕>의 모비딕프로덕션에서 제작하는 두 번째 뮤지컬로 충무아트홀과 함께 공동 제작한다. 3월에는 <콩칠팔 새삼륙>이 공연될 소극장 블루 좌석이 전면 교체 돼 한층 관람이 편해질 전망이다.
2011 창작팩토리 공연 장면
<콩칠팔 새삼륙>은 실존인물인 홍옥임과 김용주의 이야기를 모티브로 한 팩션이다. 1930년대 자유연애가 권장되던 시대에 있었던 둘의 사랑을 바탕으로 상상력을 더했다. 현재 공연 중인 <쓰릴 미>를 비롯해 이후 공연이 예정돼있는 <풍월주>, <라카지오 폴> 등 2012년은 어느 해보다 동성애를 다룬 뮤지컬이 많이 등장하게 됐다. 그 중 <콩칠팔 새삼륙>은 유일하게 여성 동성애를 그린다.
뮤지컬의 제목인 ‘콩칠팔 새삼륙’은 옛 우리말로 ‘남의 일에 대해 이러쿵저러쿵 하고 떠든다’ 혹은 ‘갈피를 잡을 수 없는 말로 이러니 저러니 지껄이는 모습’을 뜻한다. 홍난파가 죽은 조카가 썼던 동시를 보고 그를 상상하며 작곡한 동요의 제목과도 같다.
1931년 5월 `삼천리`에 실린 홍옥임과 김용주의 동성애 기사(왼쪽), 1931년 4월 10일자 동아일보에 실린 기사(오른쪽)
동시를 쓴 당사자가 바로 <콩칠팔 새삼륙>의 모티브가 된 실화의 주인공 홍옥임이다. 조선 최초로 의사면허를 획득했던 홍석후 박사의 딸이 홍옥임이고, 종로의 덕흥서점을 이끌던 사업가 김동진의 장녀이자 마포 부자 심정택의 맏며느리가 김용주다. 둘은 동덕여고보 동기로 1931년 4월, 영등포 역에서 들어오던 기차에 뛰어들어 사망한다.
2011 창작팩토리 연습 모습
<콩칠팔 새삼륙>은 2010년부터 2012년까지 3년 동안 대본 공모부터 쇼케이스까지 체계적인 작품 개발 과정을 거치며 탄탄한 공력을 쌓았다. 실력파 신진 크리에이터들도 참여했다. 극작가 이수진은 CJ 크리에이티브 마인즈에서 선보였던 <중독>을 썼고,2011년 <피맛골연가>를 각색했다. <미녀와 야수>, <지킬앤하이드> <에비타> 등의 번역 작업도 했다. 작사도 함께 겸한 이나오 작곡가는 런던 왕립음악원 피아노 학, 석사와 NYIU 뮤지컬 작곡 석사 과정 등을 밟았다. 이후 이수진 극작가와 함께 역시 <중독> 작업을 했다. 연출은 <콩칠팔 새삼륙>의 리딩부터 쇼케이스까지 참여했던 주지희 연출가가 맡는다.
본 공연에 앞서 <콩칠팔 새삼륙> 초연 배우들을 선발한다. 오디션 서류는 오늘(2월 8일)부터 17일까지 이메일을 통해 접수한다. 이후 서류 전형 통과자는 2월 26일부터 28일까지 충무아트홀 충무뮤지컬아카데미에서 진행하는 오디션에 참여하게 된다. 자세한 내용은 <콩칠팔 새삼륙> 공식블로그(http://blog.naver.com/musical078)에서 확인할 수 있다.
<콩칠팔 새삼륙>
접수기간: 2월 8일~2월 17일
접수방법: 공식블로그에서 지원서 다운 후 이메일로만 접수(musical078@naver.com)
오디션배역: 동성애를 연기할 두 주인공을 비롯한 전 배역
오디션기간 및 장소: 2월 26일~2월 28일 충무아트홀 B2 충무뮤지컬아카데미
공연기간: 6월 29일~8월 5일
공연장소: 충무아트홀 소극장 블랙
* 본 기사와 사진은 “더뮤지컬”이 저작권을 소유하고 있으며 무단 도용, 전재 및 복제, 배포를 금지하고 있습니다. 이를 어길 시에는 민, 형사상 법적책임을 질 수 있습니다.
|^|격변하는 시대를 살았던 젊은이들의 아픔과 방황, 그리고 사랑은 시대와 국가를 달리하며 수없이 반복되었던 드라마다. 주인공들은 세상으로부터 받은 상처를 딛고 세상을 버텨 나가는 힘을 얻기 위해서, 누군가에게 손을 내민다. 개인으로선 불가항력적인 사회적 상황 속에서 사랑도 마음 놓고 할 수 없을 때, 그 사랑에 대한 애틋함과 절실함은 밀도를 더해 간다. 20세기 초 러시아 볼셰비키 혁명을 배경으로 한 로맨스를 담은 보리스 파스테르나크의 소설 『닥터 지바고』 역시 그렇다. 이 소설이 뮤지컬로 재탄생했다.
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국내에선 초연되는 <닥터 지바고>는 제작 방식에서 화제가 되고 있다. 2011년 2월에 호주에서 세계 초연한 <닥터 지바고>는 미국의 프로듀서 아니타 왁스만과 호주의 존 프로스트, 그리고 한국의 신춘수가 공동으로 프로듀싱한 작품이다. 인기 레퍼토리로 국내 관객을 만족시키면서도, 최근 브로드웨이에서 공연된 <드림걸즈>와 <스토리 오브 마이 라이프>를 공동 제작하며 해외 뮤지컬 시장에서 활약을 부단히 시도했던 오디뮤지컬컴퍼니의 신춘수 대표가 또 한번 세계 시장을 겨냥한 신작을 국내에 소개한다.
<닥터 지바고>는 1991년에 브로드웨이에서 초연한 <시크릿 가든>의 작곡가인 루시 사이먼과, <저지 보이스>로 토니상 연출상을 받은 데스 맥아너프가 선두에 서서 개발한 작품이다. 2005년에 맥아너프가 예술감독으로 있었던 라 호야 플레이하우스에서 트라이아웃 공연을 하고 그 가능성을 인정받았으며, 6년 후 호주에서 정식 개막했다. 미국 샌디에이고에 위치한 라 호야 플레이하우스는 <토미>, <성공시대>, <속속들이 모던한 밀리>, <저지 보이스>와 <멤피스> 등의 작품들이 브로드웨이에 진출하기 전에 작품 완성의 기반을 닦았던 곳이다. <닥터 지바고> 역시 차근차근 완성도를 갖추고 브로드웨이 히트작으로 발돋움하기 위해, 호주와 한국 시장을 먼저 경험하고자 한다. <닥터 지바고>의 다음 계획은 당연히 유럽과 웨스트엔드, 그리고 브로드웨이에 진출하는 것이다.
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<닥터 지바고>는 세 남자가 사랑하는 한 여자와 두 여자가 사랑하는 한 남자에 대한 이야기이다. 1차 세계 대전 후 사회주의 혁명의 바람이 불어 더욱 더 혼란스러워진 러시아에서 운명처럼 만난 유리 지바고와 라라를 중심으로, 토냐와 파샤, 코마로브스키의 관계가 얽혀 있다. 부르주아 출신에다 군대를 탈영했다는 명목으로 혁명 정부에 의해 목숨이 내몰린 유리, 그리고 혁명 전선에서 부르주아를 처단하는 파샤는 사회적으로 적대적인 위치에 있다. 하지만 그들 사이의 드높은 벽은 엇갈린 사랑에 대한 분노 또는 두려움의 산물이기도 하다. 등장인물들의 개인적인 사연과 정치적 상황이 맞물려 전 세계인의 마음을 움직였던 원작의 드라마가 뮤지컬 무대에서 얼마나 효과적으로 전달될지 궁금하다.
1막에서는 등장인물 정보와 역사적 배경 설명을 포함해 많은 사건들이 전개된다. 데스 맥아너프 연출은 다이내믹한 장면 전환을 위해 영화적인 접근을 하려 했다. 극 중의 시대를 기록한 영상을 활용하며, 오토메이션으로 움직이는 네 개의 벽과 샤막, 철도 플랫폼 세트 등을 통해 다른 공간에서 일어나는 사건들이 한 무대에서 연이어 속도감 있게 펼쳐진다. 2막에서는 좀 더 인물들의 개인적인 이야기에 초점이 맞춰진다. 각자가 가슴 깊이 품고 있는 세상을 향한 분노와 그것을 극복하기 위한 몸부림의 끝에서 만난 사랑, 그 사랑이 구원이 아닌 더 큰 절망이 되는 안타까움이 극의 결말을 장식한다.
호주에 이어 한국 프로덕션에서 협력 연출을 맡고 있는 샤운 머피는 “마지막 20분간 세 명의 남자와 두 명의 여자 사이에 어떤 일들이 엮여 있었는지 드러나는데, 이 절절한 드라마를 관객들이 매우 좋아했다. 유리와 라라가 마침내 서로의 진심을 털어놓는 듀엣 ‘On the Edge of Time’은 한국 관객들도 반할 것”이라며 짙은 로맨스와 어우러지는 웅장하고도 아름다운 선율에 대해 언급했다.
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4.4도로 경사진 무대의 바닥은 기하학적인 패턴으로 장식돼, 실제보다 더 크고 깊어 보이는 효과로 대서사극을 소화해낸다. 혁명 전 부르주아들의 일상과 혁명 후의 암울한 상황은 드라마에 녹아든 조명과 시대상을 반영한 의상 등의 장치를 통해 더욱 극명하게 표현된다.
유리 지바고 역의 홍광호와 조승우, 라라 역의 김지우와 전미도가 한국 초연 무대에 선다. 두 사람을 각자 다른 방식으로 사랑하는, 유리의 아내 토냐는 최현주가, 라라의 남편이자 혁명가 파샤는 강필석이 연기한다. 유리와 라라, 파샤가 부정하는 사회의 단면을 보여주는 코마로브스키 역으로 서영주가 출연한다. 김봉환과 임선애가 토냐의 부모님으로 등장한다.
1월 27일 ~ 6월 3일 / 샤롯데씨어터 / 1588-5212
* 본 기사는 월간 <더뮤지컬> 통권 제100호 2012년 1월 게재기사입니다.
* 본 기사와 사진은 “더뮤지컬”이 저작권을 소유하고 있으며 무단 도용, 전재 및 복제, 배포를 금지하고 있습니다. 이를 어길 시에는 민, 형사상 법적 책임을 질 수 있습니다.|^|가상현실로 대체된 극중극
밥 포시의 화려한 안무와 연극적인 연출로 유명한 <피핀>이 런던 메니에 초콜릿 팩토리 극장에서 현대적인 하이테크 버전으로 재탄생했다. 지난 12월 7일에 개막한 메이드 인 런던 버전의 <피핀>은 스테판 슈왈츠의 70년대 팝송 스타일의 음악과 가사, 그리고 로저 허슨의 극중극 형식의 대본을 비디오 게임의 가상현실 세계로 각색하고, 밥 포시의 안무를 로봇 춤 스타일로 재해석했다.
<피핀>은 원래 밥 포시가 연출과 안무를 맡아 1973년에 토니상 5개 부문에서 상을 받았던 작품이다. 중절모와 펠비스(골반)를 활용하는 밥 포시의 전형적인 안무 스타일을 비롯해 당시 뉴욕에 유행하던 70년대의 실험연극 스타일을 적극 활용한 이례적인 형식으로 화제를 모았던 공연이다. 원작은 관객에게 직접 대사를 던지는 내레이터가 일련의 배우들과 함께 등장하여 피핀 왕자의 이야기를 상황극 형식으로 진행한다. 세상의 중요한 요인들이라고 할 수 있는 정치, 권력, 예술, 종교, 사랑 등을 주제로 각각의 상황에서 피핀 왕자가 인생의 의미를 찾아가는 여정을 다룬다. 수시로 무대와 객석의 경계를 허무는 브레히트의 소외 효과가 적극 활용된 작품으로, 배우들은 ‘여기 조명을 좀 더 비춰 달라’거나, ‘음악 좀 꺼 달라’는 요청을 통해 끊임없이 연극적인 상황임을 환기시킨다. 또한 뉴욕의 아방가르드 실험극적 요소가 반영되어, 극의 마지막에 피핀 왕자를 연기한 배우에게 인생의 의미를 찾지 못했으니 대신 화려한 피날레를 위해 휘발유를 몸에 뿌리고 무대에서 분신자살할 것을 제안하기도 하고, 내레이터가 무대와 조연 배우를 모두 철수하고 조명까지 꺼버린 후 텅 빈 무대에 주인공 피핀의 일행만 남겨놓고 퇴장해 버리기도 한다.
이번 런던 무대에서는 이러한 70년대 실험극적인 요소들이 21세기 컴퓨터 게임 방식으로 대체되었다. 연극적인 스포트라이트 조명은 형광색 조명이 난무하는 컴퓨터 프로젝션으로 대체되고, 상황극의 리더인 극 중 내레이터는 비디오 게임의 가이드이자 리딩 플레이어가 된다. 그리고 원작에서 신성 로마 제국을 배경으로 한 한 편의 연극을 선보이던 배우들, 즉 피핀 왕자를 비롯한 주요 극 중 인물들은 비디오 게임의 플레이어들이 된다. 그렇게 해서 샤를마뉴 대제가 다스리는 왕국은 극 중 현실에서 게임의 가상현실로 탈바꿈한다.
비디오 게임 속 플레이어로 변신한 피핀
화려한 무늬의 검은 양복을 입은 멋진 모습의 리딩 플레이어가 마치 TV쇼의 사회자처럼 관객에게 인사를 하는 것으로 공연은 시작된다. 그는 로봇처럼 실버톤의 타이즈 의상을 입은 코러스들과 함께, 중세의 전사들이 멋지게 전투를 하고 사랑을 즐기는 ‘마법’과도 같은(오프닝 뮤지컬 넘버 ‘Magic To Do’) 환상의 비디오 게임, ‘피핀’을 소개한다. 그리고 이 게임에 도전할 플레이어를 찾는다. 잠시 후, 공연장 입구에 컴퓨터를 앞에 놓고 앉아 있던, 스태프로 보이는 평범한 청년이 첫 번째 플레이어로 지목된다. 청년은 어이없다는 표정으로 무대에 나와 의상도 없이, 티셔츠와 면바지 차림 그대로 이 신기한 게임에 참가하게 된다. 이 청년이 플레이어 1, 즉 피핀 왕자의 캐릭터로서 게임을 시작하여 레벨 1의 세계로 들어가면, 가상현실인 샤를마뉴 대제의 왕국으로 장면이 이동한다. 그렇게 하여 피핀은 주어진 게임의 상황 속에서 자기 역할을 완수하며 다음 레벨로 넘어가게 된다. 각 레벨은 원작 뮤지컬의 각 장을 그대로 따른다. 가족과의 관계를 다룬 ‘고향’, 전투에서 살아남아야 하는 ‘영광’, 육체적인 사랑을 경험하는 ‘육체’, 아버지를 죽이고 모반을 성공시켜야 하는 ‘혁명’, 왕이 되어 새로운 국가를 다스려야 하는 ‘권력’, 그리고 ‘예술’, ‘종교’, ‘사랑’ 등을 다루며 총 9단계로 구성되어 있다. 이 모든 레벨을 통과하면서 피핀이 완수해야 하는 최종 임무는 인생의 의미를 찾는 것이다.
그렇게 해서 레벨 1 ‘고향’이 시작되고, 아버지인 샤를마뉴 대제를 비롯하여 계모 파스트라다, 이복동생 루이스 등 다른 플레이어들이 등장한다. 피핀에게는 가족의 갈등 속에서 자신의 설 자리와 존재 이유를 찾아야 하는 임무가 주어진다. 피핀은 다른 가족들과 달리 대학 교육을 받아 정신적으로 월등한 존재이나, 전쟁과 살육, 질투와 음모가 난무하는 중세의 세계에서 충족되지 못한 삶을 사는 젊은이이다. 그렇기에 레벨 1에서는 먼저, 정신적으로 열등하지만 육체적으로 강한 동생 루이스와 비교하여 더 높은 점수를 따기 위해 아버지를 설득하여 자신도 전쟁터에 따라갈 수 있는 허락를 받아낸다. 이어지는 레벨 2에서 피핀이 칼을 들고 중세 전사들과 싸우는 모습은 비디오 게임에서 익히 보았던 이미지처럼 화려하게 펼쳐진다. 로봇 복장인 타이즈 위에 망토를 두르고 헬멧을 쓴 코러스들이 게임 속의 전사들로 열연하며 피핀과 칼싸움을 한다. 이 장면에서 잠깐 동안 피핀이 벽에 투사된 검은 그림자 영상을 상대로 결투를 벌인다. 영상과 배우의 동작이 빈틈없이 일치했고, 칼날 부딪히는 음향 효과가 더해져 단순하지만 특별한 무대를 보여줬다. 전투에 승리한 피핀은 레벨 2를 무사히 통과한다. 그러나 많은 생명을 살해했다는 죄책감에 괴로워한다. 그래서 시골로 내려가 조용히 살고 계시는 할머니를 찾아가서 ‘인생 순식간이니 그냥 즐기면서 살라’는 단순하면서 현명한 조언을 얻는다(‘순식간(No Time At All)’). 할머니의 조언에 힘입어 피핀은 레벨 3 ‘육체’로 넘어가 많은 여자들과의 육체적인 사랑을 시도한다. 이 장면은 인터넷 화상 채팅 이미지를 활용했다. 네 명의 여자들이 네 개의 스크린에 나타나 채팅을 통해 경쟁하듯 피핀을 유혹한다. 그리고 여자 배우들이 무대에 등장해 피핀과 춤을 추는 장면으로 이어진다. 이렇게 레벨 3까지 시작 부분은 컴퓨터 게임의 상황을 가져와 <피핀>을 새롭게 풀어내 나름의 효과를 발휘했다. 프로젝션 영상을 사용한 시각적인 화려함이 소극장의 크지 않은 벽면을 가득 채우며 특이한 스펙터클을 만들어냈다.
현대적인 이미지로 되살리지 못한 원작의 메시지
하지만 연극적으로 크게 잃은 것이 있다. 비디오 게임 버전의 이번 공연에서는 시각적 화려함에 가려서 섬세한 인간관계를 찾아 볼 수 없게 되었다. 극의 초반에는 아버지 샤를마뉴 대제와 아들 피핀의 편치 않은 부자 관계가 제대로 표현되지 못했다. 원작에서는 자기보다 많이 배운 아들 앞에서 불편해하는 아버지, 그리고 학살을 일삼는 전제 군주를 아버지로 둔 왕자 피핀의 고뇌가 단순하면서도 가슴 찡한 블랙 유머로 잘 표현되어 있다. 그러나 이번 공연에서는 게임 속 캐릭터를 소개하는 수준에 그쳐, 부자 관계의 묘한 긴장감이나 갈등의 암시가 전혀 표현되지 못했다. 또한, 작품의 주제 전달에 아주 중요한 역할을 하는, 피핀이 인생의 의미를 찾겠다고 선언하는 장면이나 피핀의 할머니가 부르는 노래 ‘순식간(No Time At All)’ 역시, 원작에서 보여줬던 반짝이는 빛을 잃었다. 수많은 인명을 학살하면서 전쟁을 승리로 이끈 후에 인생에 대한 회의를 느끼며 심각한 고뇌를 안고 찾아온 손자에게 시골 할머니가 반 농담조로 즐겁게 들려주는 위로의 노래인 이 뮤지컬 넘버는 재치 있는 인생의 깨달음을 담은 곡이다. ‘인생 그렇게 심각하게 생각할 거 없다. 인생 잠깐이야, 연애나 하고 놀아라’ 하는 식의 장난기 가득한 할머니의 말은 어쩌면 고뇌와 우울에 찬 젊은 왕자 피핀에게는 한 모금의 청량한 우물물처럼 신선한 대답이기 때문이다. 물론 이번 공연에서도 이 순간만큼은 프로젝션을 모두 끄고, 소박하게 빈 무대에 서서 할머니 역할을 맡은 중견 배우 루이스 골드가 감칠맛 나게 이 노래를 불러 많은 박수를 받기는 했다. 그러나 이 장면의 소박한 연극성이 빛날수록, 정신없이 화려한 비디오 게임 버전의 공연에서는 맥락을 잃고 동떨어진 장면이 되어 버렸다. 물론 부분적으로 중세시대의 전투 신이나 인터넷 채팅을 통해 여자 헌팅을 하는 장면 등은 컴퓨터 속 세계를 통해 비교적 효과적으로 표현되었다.
그러나 근본적으로 <피핀>은 연극적인 여정을 통해 인생의 의미를 찾고자 한 왕자의 이야기이다. 그러니 컴퓨터 게임을 통해 인생의 의미를 찾아가는 인물을 그린다는 것 자체가 무리수를 둔 설정이라고 할 수 있다. 이러한 어긋남은 피핀이 교회에서 기도하는 아버지를 찾아가 살해하는 레벨 4 ‘혁명’에 이르면서 점점 악화된다. 조용히 찬송가가 울리는 교회에서 기도하는 장면 역시 게임 분위기의 요란한 프로젝션을 사용할 수 없는 상황이다. 오히려 왕이 되어 토지 개혁을 시도하고 세금을 철폐하는 장면인 레벨 5 ‘권력’은 마치 퀴즈 게임을 하는 것처럼 표현할 수 있었을 텐데도, 자진해서 이를 포기하고 원작처럼 간단히 대사를 주고받는 연극적 형식을 그대로 유지하고 있다. 그리고 다음 레벨인 ‘예술’과 ‘종교’에 이르면서 비디오 프로젝션의 사용은 점점 효과를 잃어간다. 마지막 레벨 9에 이르면, 피핀이 시골에 사는 과부 캐서린의 집에서 우울증에 걸려 아무것도 하지 않고 누워있으면서 비디오 게임의 효과는 온데간데없이 사라져 버린다. 죽은 오리를 놓고 피핀과 캐서린의 어린 아들 테오가 슬퍼하는 장면이나, 이 두 사람과 정이 들어 그냥 조용히 시골에서 집안일이나 도와주면서 한동안 살게 된다는 설정은, 사실 매우 소박한 연극적인 설정이기에 비디오 프로젝션이나 게임의 방식으로 표현할 수 없는 상황이다.
그렇게 해서 이번 메니에 초콜릿 팩토리의 <피핀>은 비디오 게임으로 멋지게 시작했다가 작품 중반 어딘가에서 원작의 연극적인 설정으로 돌아오고, 작품이 다 끝날 무렵에 인생의 의미를 찾지 못하고 게임을 중도 포기한 피핀에게 몸에 휘발유를 뿌리고 불을 지르라고 요구하는 어이없는 내용이 되어버렸다. 비디오 게임을 하다가 마지막 레벨을 넘지 못했다고 해서 화려한 결말을 위해 분신자살을 하라는 것은 근거 없는 도약이다. 원작에서는 실험극의 형식을 택했고, 1965년에 베트남 전쟁을 반대하며 휘발유를 뒤집어쓰고 자살했던 실존 인물 노만 모리슨을 소재로 분신자살 장면을 연출했던 피터 브룩의 실험 공연 <유에스>와 유사한 방법으로 충격적인 장면을 시도했다. 그러나 이번 런던 공연에서는 비디오 게임이 분신자살이라는 극단적인 사회적 저항의 행동과 어떻게 연결되는지 답하지 못한 채로, 평범한 청년 하나가 게임에 실패하자 휘발유를 뒤집어쓰고 멍하니 무대에 서 있는 상황을 맞는다. 그리고 게임의 룰을 어기고 먼저 쫓겨났던 캐서린과 그의 아들 테오가 게임 속 플레이어가 아닌 현실의 인물로서 그의 곁에 찾아와서 위로한다. 그러자 화가 난 리딩 플레이어가 비디오 영상과 음악을 다 끄면서 게임을 중지한 채, 코러스를 모두 데리고 퇴장해 버린다. 그러면 피핀의 일행은 조용한 무대 위에 잠시 남아 있다가 퇴장한다. 그런데 꼬마 테오가 퇴장을 하다 말고 다시 들어온다. 그러면 게임의 리딩 플레이어가 다시 코러스를 데리고 등장하고, 비디오 게임이 처음부터 다시 시작되면서 공연이 끝난다.
아쉬움과 나름의 성과
이렇게 이번 <피핀> 공연은 전체적으로 스타일의 일관성을 잃어버린 작품이 되고 말았다. 인생의 의미를 찾아볼 수 없는 세상에서 어떻게든 삶의 반짝이는 순간을 찾고자 하는 주제 정신이 산란한 비디오 게임의 무대 효과 속에서 그 빛을 잃었다. 그럼에도 불구하고 이번 무대는 나름의 즐거움을 준다. 연출가 미치 세바스찬의 쉴 새 없이 몰아가는 박진감 있는 연출이 나쁘지 않았고, 저예산 비디오 이미지를 활용한 티모시 버드의 무대 디자인을 통해 원작이 보여준 ‘시대정신을 살린 실험성’을 나름의 방법으로 시도했기 때문이다. 그 효과는 원작만큼 좋지 못했고, 오히려 작품의 내용과 상충하는 형식으로 혼란을 야기하는 결과를 낳았지만 말이다. 무엇보다 이번 무대에서 가장 큰 박수를 받은 것은 밥 포시의 오리지널 안무를 훌륭하게 재창조해 낸 쳇 워커의 동작들이었다. 특히 밥 포시는 대본 집필 과정부터 참여해 5분가량 대사나 노래 없이 춤이 지속되는 장면이 두어 번 정도 있는데, 열네 명의 젊은 캐스트가 열심히 연습한 흔적이 역력한 군무 장면들은 특별한 순간을 제공했다. 또한 장난꾸러기 같은 할머니 역으로 한 장면이지만 명장면을 연출한 루이스 골드의 열연과, 내레이터 역할의 맷 라울이 보여준 존재감 있는 연기와 가창력이 훌륭했다. 사악한 피핀의 계모인 파스트라다를 연기한 프랜시스 루펠레의 몸을 던진 연기와 허스키 보이스가 아름다웠다. 피핀과 그의 애인 캐서린을 연기한 해리 헤플과 칼리 보덴은 젊지만 넘치는 에너지로 흠잡을 데 없는 주인공 커플 연기를 소화했다. <피핀>은 런던 메니에 초콜릿 팩토리에서 오는 2월 25일까지 공연한다.
*본 기사는 월간 <더뮤지컬> 통권 제 100호 2012년 1월 게재기사입니다.
*본 기사와 사진은 “더뮤지컬”이 저작권을 소유하고 있으며 무단 도용, 전재 및 복제, 배포를 금지하고 있습니다. 이를 어길 시에는 민, 형사상 법적책임을 질 수 있습니다.
|^| 10년을 가진 남자들
작품 수로 따지면 그리 많지 않다. 하지만 두 사람이 함께한 작업들에는 뭔가 특별한 것이 있다는 느낌이 왔다.
이제는 먼 길을 돌아서 거울 앞에 서 마주 보는 것 같은 두 남자가 속에 묻어두었던 이야기는 무엇일까.
장소는 삼성동의 작은 카페. 신춘수 대표가 직접 고른 그곳은 영화 <멋진 인생>의 오프닝에서 두 사람이 마주했던 바로 그곳이다.
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신춘수 내가 탤런트하고 같이 앉아있네? 아니다, 그냥 탤런트가 아니지. 뮤지컬 배우, 탤런트, 영화배우, 아빠, 타이틀이 다양해.
이석준 하핫. 감사합니다. 그런데 아빠가 직업인가요?
기자 퇴직이 없는 일이죠. 두 분 자주 술도 한잔씩 하고 그러세요?
이석준 형이 술을 잘 안 해요.
신춘수 아냐, 나 많이 늘었어. 술을 마시면 기분이 좋아지더라. 세상이 힘이 들어…(웃음)
기자 두 분이 처음 같이 작업한 게 <안녕 비틀즈>였죠.
신춘수 저희 직원이 얼마 전에 정확하게 연도를 알려줬어요. 99년. 석준이랑은 그 전부터 알고 있었는데, 그 작품이 제작자로서 내 데뷔작이에요. 겁 없이 첫 작품을 만들었을 때 주인공으로 생각을 했던 친구가 석준이었어요. 거슬러 올라가면, 나한테 두 배우가 굉장히 많은 생각을 하게 하는데, 그게 석준이와 (서)범석이에요. 석준이에 대해서는 마음의 짐이 너무 많아요. 그리고 범석이는, 공식적으로 제가 출발을 하게 됐을 때 범석이가 정장 한 벌 사라고 돈을 줬어요. 집에 가면 책상 옆에 <안녕 비틀즈> 대본하고 그 정장이 걸려 있어요. 뮤지컬 프로듀서로서 많은 것을 생각하게 하는 두 가지예요. 이 카페를 오늘 인터뷰 장소로 선택한 건 사실 우리 영화의 첫 장면이 여기서 석준이를 기다리는 거거든요. 석준이한테 말을 안 했지만 이 친구에 대해서는 어떤 마음들이 있어요. 굉장히 오랜 세월 동안 같이 좋은 작품을 하고 싶었던 배우가 석준이었고, 10년이라는 긴 세월 동안 돌아서 같이 한 게 <스토리 오브 마이 라이프> (이하<스토리>)였어요. 석준이도 나도 지난 10년 동안 성장과 실패를 거듭했고, 이제 여기서 다시 만난 중요한 인연이죠. 나한테는 잊을 수 없는 배우죠.
기자 겁 없이 도전할 때 두 번 이석준 씨를 찾으셨네요. 뮤지컬로 한 번, 영화로 한 번. 왜 그때마다 이석준 씨를 생각하셨어요?
신춘수 <안녕 비틀즈> 때는 석준이가 적역이라는 생각을 많이 했어요. 순수하게 시작했다가 상업적으로 변하는 음반 프로듀서 역인데, 솔직히 나는 그 작품이 부끄럽지 않아요. 창작뮤지컬이라는 말조차 언급되지 않았던 시절, 20대에 만들었던 작품이니까요. 그런데 제가 몰랐던 건 사회였고 나의 목표나 꿈이 다른 사람에게 굉장한 아픔을 줄 수 있다는 것을 처음 알게 됐어요. 나는 작품이라는 게 만들기만 하면 되는 줄 알았지 그렇게 책임질 일이 많을 거라는 걸 몰랐어요. 그 때 책임을 지지 못했던 것들이 마음의 빚으로 남아있는 거예요. 사회의 쓴맛을 본 첫 작품이었고 그런 부분들이 지금까지 오는 데 원동력도 됐어요. 과거에 진 빚은 묻어버릴 수는 있어도 없어지지는 않아요. 얼마 전에 그 작품의 작가가 십 몇 년 만에 제 앞에 나타났어요. 작가료를 못 받았다고. 그래서 제가 작가료를 지불하고, 대본을 다시 꺼내서 봤어요. 10년 만에 나한테 다시 다가온 원죄 같은 느낌이 있었어요. 석준이에 대해서도 그런 게 있어요.
이석준 실제로 그랬어요. 그리고 솔직히 말하면 그때 당시에 그 작품이 참여한 배우들에게는 정말 큰 아픔이 됐어요. 형이 그때 굉장히 몸이 아팠어요. 우리는 공연을 해야 하고 제작자가 와서 해줘야 하는 부분이 있는데 나타나지를 않으니까. 내가 형이랑 전화로 정말 많이 싸웠어요. 그때 전화를 끊고 젊은 혈기에 내가 죽어도 이 형하고 다시는 작업을 안 한다고 결심을 했을 정도였으니까요. 그리고 그 작품 이후로 2년을 제가 굉장히 힘들게 살았어요. 그때 뮤지컬계 풍토가 어중간한 연예인들을 캐스팅해서 그 정도 유명세에라도 기대서 홍보를 하려는 게 있었어요. 지금 스타 캐스팅이랑은 또 달랐죠. 그걸 지켜보면서 굉장히 마음이 아팠어요. 화도 났고. 그래서 제 딴에는 ‘그럼 나도 방송을 해야겠다, 거기서 화려하게 컴백해야겠다!’ 생각하고 도전했다가 완전히 망했거든요. 정말 이것저것 많이 겹치니까 다 싫더라고요.
기자 세상이 다 밉고 싫을 때였군요.
이석준 네. 그때쯤 형이 <사랑은 비를 타고>로 재기를 했는데 저한테 전화를 해서 ‘석준아, 오디션 보러 와라’ 그랬는데 저는 ‘아유 됐어요, 나는 그냥 살고 싶은 대로 살 거야’ 그러고 끊어버렸어요. 형은 그렇게 빚을 갚고 싶었던 건데 난 마음이 아주 싸할 때였던 거죠. 그다음에 형이 잘된 후에도 마주치면 형은 내 얼굴 보기 힘들어하고 나도 형 얼굴 보고 싶어 하지 않고, 그게 10년을 갔어요. 내가 딱 한 번 이렇게 살 거면 죽어버려야겠다는 생각까지 한 힘든 시기였는데 나는 그 정점에 형이 있다고 생각을 했던 거예요. 그런데 10년이 지나고, 배우로서 어느 정도 연륜을 갖고 보니 내가 참 아이 같았다, 만약 형이 아니었으면 내가 그런 시절을 안 겪었을까 생각해보면 그건 아니었더라고요. 우연찮게 형이 거기 걸려있었던 거지. 당시에 저는 유명한 배우는 아니었으니까 작은 창작 작품이지만 저를 주연배우로 선택해 준 건 용감한 결단이었는데. 그런 의미에서 <스토리> 대본을 처음 받아들었을 때… 사실 그 전까지는 형이 하는 작품은 오디션도 안 봤어요. 왠지 한 발 더 가까이 다가가는 게 꺼려지더라고요.(웃음) 그런데 <스토리> 대본을 받았을 때, 이건 이유를 막론하고 해야겠다고 생각을 했어요. 그러면서 형 사무실에 갔을 때 형이 처음 했던 말이 ‘옛날 일을 기억한다’ 였는데, 사실 그 말 한마디에 많은 것들이 녹았어요. 다른 건 물어볼 필요도 없었고 그냥 기억해주고 있다는 것만으로도 됐다 싶었어요. 그리고 제가 봤을 때 형은, 형이 속에 있는 이야기를 막 쏟아내면 그걸 처음 듣는 사람은 무슨 말인지 이해를 못해요. 뭐? 이런 반응을 보이죠.
신춘수 내가 점프를 많이 해요. 시제도 막 왔다 갔다 하고.
이석준 어! 형, 그래! 그래서 따라가기가 힘들어요. 그런데 그날도 그랬어요. ‘옛날에는 이랬는데 나는 이랬고 앞으로 이렇게 할 거야’라고 하는데 ‘무슨 말이야?’ 싶으면서도 그 한마디가 들렸어요. ‘아직 안 잊고 있다’ 그리고 ‘잘해 보자.’ 그 ‘잘해 보자’가 ‘이제 풀 때가 됐어’로 다가왔어요. 그리고 내가 옹졸했구나, 라는 생각을 했어요. 어차피 배우와 제작자가 풀려면, 술 먹는다고 풀리는 것도 아니고, 예전과 똑같은 형태로 형이 나를 선택하고 내가 형의 작품을 선택을 했으니까, 이 작품이 어떤 의미가 남게 된다면 새로운 시작을 하는 첫 단추가 될 수 있지 않을까, 하는 생각에 작품에 들어갔어요.
신춘수 나라는 인간은 그래요. 그게 내가 할 수 있는 표현이에요. 그걸 받아들이는 사람도 있고 못 받아들이는 사람도 있어요. 여러 가지를 복합적으로 포함해서 말을 하니까 잘 전달이 안 되는 거예요. 설(도윤) 대표님 밑에서 일을 하다가 ‘나도 뮤지컬을 만들 수 있어!’라고 생각을 하고 나왔는데, 만들 수 있다는 생각 말고는 사실은 하나도 준비가 안 되어 있었던 거예요. 내가 그때 사회 경험을 처음 했다는 게, 내 딴에는 그때 ‘내가 뭘 그렇게 잘못했어? 내가 할 수 있는 걸 다했는데?’라고 생각했는데 점점 프로듀서로서 경험을 쌓다보니까 책임을 진다는 게 뭔지 알게 된 거죠. 일단 작품으로서는 내가 얼마나 많은 아픔을 줬는지를 더 알게 됐고 그래서 더 마음이 무거워졌어요. 그런데 내가 준비가 안 된 상태에서 시작했을 때 두 번 다 석준이한테 부탁을 했네요.
이석준 으하하하 장난 아니야!
신춘수 나는 참 감성적인 거예요. 어쩜 그런지 모르겠어요. 연습을 하다가, 갑자기 영화를 하고 싶은 거예요. 우리 첫 대사도 그 연장이었고요. ‘석준아, 우리 작업 한번 하지.’ 둘이 이 자리에서 처음 만나서 ‘오랜만이다’라고 하는데 남들은 연기를 못한다지만 그게 나만의 표현이거든요. 자세히 알면 아주 내공 있는 연기인데.(일동 웃음) 정말로 사실을 기반으로 한 거예요. 결국은 <스토리>를 하면서 우리 이야기를 하고 싶었던 거예요.
이석준 그거 다큐였다고요, 처음에는. 다큐!
신춘수 배우들한테 부탁을 해서 같이 작업을 하면서도 나는 원망을 했어요. 도와주기로 했으면 옷 다 벗고 도와줘야지! 그런데 끝나고 생각해보니까 그들은 프로고 배우인데 준비가 다 안 된 내 작업을 도와준 거였어요. 나는 이 나이를 먹었는데도, 하고 나서 느끼는 거예요. 아우, 내가 잘못했구나. 아직도 난 이기적이게도 내 꿈이 먼저인 거예요. 어쩌겠어요. 석준이 아들 대학갈 때 등록금이라도 보태야죠. (일동 웃음)
이석준 형, 그때까지 잘되면 좋겠다.
신춘수 그러니까! 내가 그때까지 잘 돼야지. 석준이가 프로듀서를 해도 잘 했을거예요, 어떤 면에서는. 나는 프로듀서로서는 빵점일 때가 많아요. 사람들을 정말 잘 다독거려야 하는데 내 중심으로 해놓고 왜 이해 못하냐고 투덜거렸던 시절이 너무 길었어요. 그런데 얘는 리더십도 있고, 책임감도 있고, 또 부지런해요. 석준이가 프리 프로덕션에 기여하는 건 다른 배우 누구보다 많아요. 그리고 <이야기쇼>도 하고 있잖아요. 그건 마인드가 있는 거예요. 그런데 대한민국에서 프로듀서를 하라고 권하고 싶지는 않아요. 상처 받을 일이 너무 많아요. 배우로서, 아빠로서 잘 살았으면 좋겠어요.
이석준 이게 프로듀서 신춘수의 양날의 검이에요. 이게 이 형을 이 자리까지 오게 만든 힘이기도 하고요. 사실 어떤 일을 저지르는 데 있어서… 대기업은 빚도 많잖아요. 빚도 재산이라고 하고. 그 빚의 크기도 그릇의 크기인 거 같아요. 왜 저렇게 저지르냐고 하지만 저질러야 사건도 생기니까요. 제작자는 그림을 그리는 게 중요한 것 같아요. 안정적인 노선으로 쭉 간다는 게 꼭 좋은 프로듀서는 아닌 것 같아요. 살다보니까 알겠어요. 왜 저 사람은 안정적으로 가지 못하냐고 걱정들을 하는데 안정적으로 유지하는 것만큼 지속적으로 내려가는 걸 많이 봤어요. 자기 고집을 가지고 밀어붙였을 때 바닥을 치는 것 같다가도 그 고집이 통하는 순간이 오면 누구도 그들을 막을 수가 없거든요. 제일 중요한 건 자기 자신으로부터 출발을 하느냐가 맞는 것 같아요. 배우도 마찬가지고요. 형은 그걸 무의식적으로 하고 있어요. 주위에 미안하다고 생각을 하면서도, 그 미안함을 감수하면서도 밀어붙이는 게 있어요. 그리고 욕을 막 먹죠. 그런데 중요한 건 뭔가를 해내느냐는 거라서, 내놓은 결과물이 인정할 만하면 그동안 비난하던 사람들도 다 말을 접게 되거든요. 나는 형이 재미있는 제작자 같아요. 그래서 요즘은 형에 대한 생각이 많이 바뀌었어요. 언제까지만 해도 정말 최악이야!라고 생각했는데 저 무대포 정신이…
기자 그러니까 미워할 수 없는…
이석준 밉긴 해요. 미워할 수 없는 게 아니라 밉긴 한데…(웃음) 형은 누구에게 저 역을 시켰을 때 이만큼은 해내겠다는 걸 잘 알아요. 어떤 배우가 어떤 역을 만들어냈을 때 그를 믿고 끝까지 가요. 예를 들면 <지킬 앤 하이드>의 (류)정한이 형 같은 경우가 그랬죠. 류정한이라는 배우를 써서 그 배우가 어느 정도 위치를 차지하니까, 끝까지 밀어붙였어요. 다른 제작자들은 보통 그 정도 궤도에 올라가면 더 젊고 지금 막 치고 나가는 배우들로 바꾸려고 하거든요. 그런데 형의 방식대로 가니까 작품과 배우가 서로에게 좋은 영향을 미치고 신뢰와 무게감을 주더라고요. 이 배우가 성공하게 되면 다른 배우들도 그렇게 성공할 수 있다는 희망을 주게 되죠. 조승우, 류정한, 정성화, 그리고 또 많은 조연 배우들이 그런 모델이 아닐까요.
기자 배우 이석준의 공연 중에 어떤 작품을 좋아하세요?
신춘수 저는 <아이다>가 좋았어요. 그리고 주옥같은 대사가 있는 치밀한 연극을 좋은 배우가 하는 걸 보는 게 낙인데 석준이가 좋은 연극을 하는 걸 보고 싶어요.
기자 <스토리> 이야기를 하실 줄 알았더니.
신춘수 <스토리>를 어떻게 내 입으로 이야기해요! (웃음) 저는 석준이가 지금도 잘하지만 점점 더 그 작품을 잘하게 될 거라고 생각해요. 저희가 지금 6개월 도전을 하고 있는데, 앞으로 더 석준이의 대표작이 되어갈 거라고 생각해요. 아까도 이야기가 나왔지만 저는 작품을 일정 부분 한 배우의 대표작으로 길게 가는 걸 좋아하거든요. 물론 작품이 쭉 가다보면 배우가 건너뛰게 될 때도 있지만 그건 버린 게 아니라 쉬고 돌아오는 거예요. 세월이 묻어나면서 더 잘하게 되는 배우들, 작품이 있어요. 오디에서 하는 작품 중에 <안녕 비틀즈>는 좋은 평가를 못 받았지만 <스토리>나 <미드섬머>는 점점 더 발전시키면서 계속 할 수 있는 석준이의 좋은 작품이라고 생각해요. 그리고 석준이가 캐스팅에 대해 이야기해줘서 고마운 게, 요즘 제가 스타 캐스팅 때문에 논란에 휩싸였기 때문에…(웃음) 뮤지컬 마니아들이 저한테 트위터로 감 사진을 보내셨더라고. 감 떨어졌다고. 아, 내가 얼마나 마음이 아팠냐면… 그런데 스타가 무대에서 빛나는 모습을 보여줬을 때의 파괴력이라는 게 있어요. <닥터 지바고>의 경우에는 좀 새로운 구성을 하고 싶었어요. 섬세한 연기를 하는 배우와 작업을 했으면 좋겠다고 생각했고요. 사실 리허설 장에서 저 굉장히 긴장한 상태로 체크하고 있어요. 제가 선택한 배우들이 잘하는지, 호주 연출자들 반응이 어떤지.(웃음) 그런데 지켜보면서 자신감이 많이 생겼어요. 물론 평가는 관객들이 하는 거지만.
기자 프로듀서로서 ‘눈치’를 보는 것처럼, 배우로서 눈치를 보게 되는 순간들이 있으세요?
이석준 음, 아니오, 그래본 적은 없어요. 그런데 제가 배우로서 큰 생각의 변화를 겪은 일이 최근에 있었어요. 한 후배가 주장하는 이야기를 듣다가 아, 하고 깨달은 거예요. 배우는 무대 위에서 자기를 드러내는 직업은 아닌 것 같아요. 사실 그럴 수 있다고 생각해왔거든요. ‘난 이런 스타일의 연기를 해’, ‘이 역을 나의 방식으로 보여주는 거야’. 이 배역은 내가 할 수 있는 나의 앨빈이었고, 나의 라다메스고… 그렇게 최선을 다했고요. 그런데 최근에 한 배우가 ‘아, 그런데 저는 원래 이렇게 하는 배우예요’라고 말을 한 순간 내가 탁 숨이 멎는 기분이 들었어요. 저 친구가 작품의 본질에서 벗어나서 자기만의 어떤 캐릭터를 만들었는데 그게 극 안에 들어가 있지를 못했거든요. 배우의 최우선 목표는 작품이 주고자 하는 역할을 얼마나 캐치하느냐에 달려있어요. 그 결과 그 배우가 얼마나 드러나느냐 묻히느냐는 관계없다는 거예요. 그런데 우리는 항상 순위를 매기는 학교에서 교육을 받았기 때문에 어디서나 내가 제일 잘한다는 소리를 듣고 싶은 거예요. 저는 사실 굉장히 잘 들이받는 사람이에요. 제가 옳다고 생각하는 방향으로 남을 설득하려고 들어요. 그런데 최근에 제가 바라는 건 나를 설득해 주는 거예요. 제발 누구든 내가 생각하는 이만큼을 내놨으니까 이걸 뒤집는 다른 생각을 이야기해줘, 라고 부탁을 하고 싶어요.
신춘수 그건 정말 좋은 변화야. 내가 아까 프로듀서로서 석준이한테 좀 더 이야기하고 싶은 건 그거야. 네가 비워두는 곳이 있어야 다른 누군가, 뭔가와 만나서 화학작용이 일어날 수 있어. 지금 10년째 이 일을 하고 있는데 그럼 전문가란 말야. 스스로 전문가라고 생각을 하면서 다른 걸 받아들이는 게 사실 쉽지 않아. 그런데 알면서도 비워둘 수 있게 되면, 그때는 다시 시작할 때처럼 빠른 속도로 더 성장을 하게 돼. 좋은 변화야.
이석준 저는 사족을 달지 않아도 될 만큼 지금이 좋아요. 이 나이가 좋고요. <그리스>를 할 나이는 지났지만 <그리스>를 하고 싶지는 않으니까.(웃음)
신춘수 <그리스> 원년 멤버가 나온 콘서트 영상 봤더니 진짜 재밌던데? 할아버지가 ‘그리스 라이팅’을 부르는 거야! 대박이야.
이석준 그런 게 재밌지. 여튼 전 아직까지는 우리나라에서 제 나이에 할 수 있는 뮤지컬이 많지 않다고 생각해요. 작품이 없는 게 아니라, 그 배역이 젊은 친구들에게 가요. 앞으로는 좋은 방향으로 바뀌리라고 봐요. 내가 제일 바라는 건 50, 60살이 되고 장민호 선생님 나이가 되어도 출연할 수 있는 창작뮤지컬들이 하나씩 나와 주는 거예요. 그렇기 때문에 지금 내 나이가 좋다는 건 지금 내 나이로서 할 수 있는 작품을 하나씩 다 해볼 수 있다고 생각하는 거고, 못한다고 해도 옆에서 박수를 쳐주고 싶어요. 다만, 내가 그 나이에 갖춰야 할 만큼을 갖지 못하고서는 투덜거리는 사람이 되면 어쩌나 걱정이 되고 자꾸 돌아보게 돼요. 저는 욕심이 많아서 후배들이 하는 걸 보면 ‘와, 잘하네’ 하고 박수 쳐주는 여유가 아니라, 내 작품이 아닌데도 식은땀이 확 나요. 내 것을 빼앗길 거라는 불안감이 아니라 내가 저만큼 할 수 있는가, 라는 두려움인 거예요. 하루는 그런 공연을 보고 나와서 차를 몰고 돌아가다가 그 연기를 따라 해보고 있는 나 자신을 발견하고 혼자 미친 듯이 웃었어요. 아, 나 진짜 천생 배우구나 생각을 했어요. 이런 열정이 남아있기 때문에 난 아직 갈 길이 멀다는 생각이 들어요. 내가 선배들을 바라봤던 시기와 후배들이 나를 바라보는 시대가 다르다고 생각해요. 우리가 어렸을 때 30대를 봤을 때는 진짜 아줌마라고 생각했는데, 지금은 전혀 아니잖아요. 지금도 같은 나이의 할머니라도 외국의 노인들이 젊고 세련되게 자존감을 지키면서 살아가는 모습을 보게 되는데 우리도 점점 그렇게 변해 갈 거라고 생각해요. 배우로서 우리 세대는 그럴 수 있을 거라고 봐요.
신춘수 나도 역시 그런 것 같아요. 나이 들어서 좋은 게 뭐냐면, 브래드 피트가 한국에 와서 인터뷰에서 했던 말인데 현명해져서 좋아요. 성찰이 깊어지고 이해의 폭이 넓어져요. 그게 즐거워요. 좋은 사람이 되기 위해서 지켜야 하는 것들에 대해 10년 전보다 생각이 많아요. 그때는 내 꿈밖에 없었거든요. 지금은 좋은 프로듀서로서 끝내고 싶어요. 그리고 인간으로서도. 조금 더 욕심을 낸다면 내가 모든 것을 사회에 환원하는 사람은 못되더라도 돈이 안 되어도 작지만 좋은 작품을 무대에 계속 올리면서 폼 잡는 사람으로 남고 싶어요. 마지막 바람은 석준이처럼 빨리 아빠가 되고 싶다는 거?(웃음)
이석준 얼마 안 남았어!
* 본 기사는 월간 <더뮤지컬> 통권 제 100호 2012년 1월 게재기사입니다.
* 본 기사와 사진은 “더뮤지컬”이 저작권을 소유하고 있으며 무단 도용, 전재 및 복제, 배포를 금지하고 있습니다. 이를 어길 시에는 민, 형사상 법적책임을 질 수 있습니다.
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2004년, 음악원 재학 시절. “연극원 교수가 괜찮은 놈 좀 추천해 달래서 너를 추천했으니 오디션 한번 봐.” 교수님께선 대뜸 내게 공연 오디션을 보라고 하셨다. 그리고 며칠 후 그 연극원 교수님이란 분과 스태프 몇 분이 직접 음악원으로 찾아오셨다. “자신 있는 노래로 한 곡 불러 볼래요?” 음악감독님의 주문에 내가 부른 노래는 한국 가곡. 노래를 부르고 나자 대본이라는 걸 주면서 한번 읽어보라고 하셨는데, 난 아직까지 그게 어떤 대본인지 모르겠다. 다만 사투리 발음으로 그 글을 읽어 내려갔던 기억만 난다.
그렇게 난 <금강>이라는 어마어마한 팀에 합류하게 됐다(<금강>은 故 신동엽의 서사시 ‘금강’을 바탕으로 만든 민족 가극으로 장민호, 양희경, 강신일 등 쟁쟁한 배우들이 참여했다). 내 역할은 명학 역을 맡은 이정열 선배의 언더스터디였다. 정열 선배가 연습실에 못 나올 때는 내가 대신 연습에 참여했는데, 그때마다 다른 배우들에게 얼마나 미안했는지 모른다. 아니, 연습실에 같이 서 있는 것만으로도 죄스러운 기분이었다. 지금도 많이 부족하지만 그때의 난 징그러울 만큼 못했다. 연기의 ‘연’도 모르는 나에게 김석만 연출님은(나에게 배우라는 타이틀을 붙여주신 그 연극원 교수님이 바로 김석만 연출님이다) 연기의 ‘연’부터 차근히 가르쳐주셨다. 지금 생각해봐도 난 참 운이 좋았다.
하지만 그해 남북 관계가 악화되면서 공연은 무산됐다. 그리고 이듬해 우리의 최종 목표였던 평양에서의 공연이 결정됐다. 다소 갑작스럽게 잡힌 일정이라 다른 공연에 참여하게 된 정열 선배를 대신해 내가 명학 역으로 평양에 가게 됐다. 그곳에서 얼어붙은 북한 사람들의 마음이 움직이는 것을 경험하고 나는 인생의 행로를 180도 바꿨다. 서울로 돌아오자마자 나는 뮤지컬 오디션 사이트를 뒤졌다. 당시 준비 중이던 미국행 유학을 포기하고 말이다. 뮤지컬이 뭔지도 몰랐던 나는 공지 사항 제일 윗줄에 있는 작품부터 지원을 시작했다. 나의 첫 오디션은 <갓스펠>! 격식을 갖추어야 한다는 생각에 양복에 넥타이를 매고 오디션을 보러 가서 가스펠 노래를 벨칸토 창법으로 불렀다. 춤도 양복을 입고 췄다. 결과는 당연히 탈락이었다. 하지만 그 모습이 튀어도 너무 튀었던 거지. 그때 김문정 음악감독님의 눈에 들어서 그 덕분에 <명성황후> 오디션을 볼 수 있는 기회도 얻게 되고, 감독님은 뮤지컬을 시작하던 당시 내게 정말 많은 힘이 되어 주셨다.
지금도 그때 고마웠던 사람들과 그때의 추억을 이야기하곤 하는데, 그것은 나를 겸손하게 만드는 좋은 보약이나 다름없다. 벌거벗은 처음의 나를 아는 이분들에게는 어떤 싫은 소리를 들어도 기분이 좋다. 왜냐하면 나를 있게 해주신 분들이기 때문이다.
(좌) 이때가 24살 때니까 거의 9년 전 사진이다. 왠지 지금이 더 젊어 보인다. 그럼 한 5년 후엔 내가 (조)정석이보다 더 어려보일까? (우) 사진을 보면 알겠지만 내가 (오)만석이 형보다 나이가 많은 역할이었다. 지금도 형과 그때의 얘기를 하면서 미소를 짓는다.
*본 기사는 월간 <더뮤지컬> 통권 제99호 2012년 1월호 게재기사입니다.
*본 기사와 사진은 “더뮤지컬”이 저작권을 소유하고 있으며 무단 도용, 전재 및 복제, 배포를 금지하고 있습니다. 이를 어길 시에는 민, 형사상 법적책임을 질 수 있습니다.|^|드라마 <뿌리 깊은 나무>를 ‘닥본사(닥치고 본방 사수)’ 한다고 수·목요일 밤에는 약속도 잡지 않는 사람들이 있었다. 시청률이 20퍼센트를 넘는 대중성을 지니고 있으면서도, 이 작품은 결코 대중적이고 쉬운 작품이 아니다. 추리 기법으로 꼬아가는 바람에 웬만큼 집중하지 않으면 내용의 맥락을 잃기 십상인 데다가, 한글 창제의 목적과 성리학의 이상, 세종과 정기준이 보여주는 정치에 대한 상이한 관점 등이 얽혀있어, 결코 즐겁고 만만하게 볼 작품이 아닌 것이다. ‘꽃세종’ 송중기의 예쁜 얼굴이나 <추노>에서 보여주었던 장혁의 화려한 액션만 기대하면 결코 재미있게 볼 수 없는 작품이다. 이 작품의 인기는, 그야말로 한국 드라마 시청자가 어느 정도의 사회의식을 지니고 있는가를 보여주는 척도이다.
사극 드라마에 여성 작가들의 등장
흔히 사극에서 잘 망하는 소재가 두 개가 있다고 한다. 하나는 이순신이고 다른 하나는 세종이다. 너무나도 위대하다고 추앙받는 인물이기 때문이다. 원래 극이란, 완벽한 성인의 이야기를 하는 것이 아니다. 실수도 하고 좌절도 하는 흠결 많은 사람들이 치고받고 지지고 볶는 이야기가 바로 극이다. 예컨대 연산군, 광해군, 장희빈, 또는 이방원과 수양대군, 사도세자처럼 인생의 굴곡이 심한 인물들을 극으로 만들어놓으면 재미있는 것이다. 그에 비해 이순신과 세종은 광화문 광장에서 그저 우러러 보기에도 너무 높아 목이 아플 지경이니, 감히 누가 그런 위대한 인물을 놓고 지지고 볶는 이야기를 재미있게 만들 수 있을 것인가.
그런데 최근 5~6년 사이에 이런 징크스가 확실히 깨졌다. 2004, 2005년 <불멸의 이순신>이 김명민이라는 배우를 재발견하게 하면서 최고의 인기를 누렸고, 2008년 <대왕 세종>이 높은 완성도와 괜찮은 시청률로 성공을 했다. 그리고 다시 세종을 다룬 <뿌리 깊은 나무>는 2011년 하반기 최고의 화제작이자 인기작이 되었다. 게다가 최근 드라마에서는 그간 다루기 힘들었던 최고의 성군들이 모두 등장하여 다 인기를 얻고 있다. 조선 후기 최고의 성군으로 꼽히는 정조는 2007년 <이산>을 비롯하여 최근 사극에 단골로 등장하는 임금이며, 신라의 태평성대 시대의 성군이라 좀처럼 드라마로 다루어지지 않던 선덕여왕도 2009년 드라마로 만들어져 거의 40퍼센트에 육박하는 시청률을 기록했다.
이 대목에서 고개를 약간 틀어 흥미로운 한 지점에 착목해 보자. 이들 사극의 공통점이 뭘까? 바로 여성 작가의 작품들이라는 점이다. 사실 텔레비전 드라마에서 사극은 오랫동안 남성 작가의 영역이었다. 1970년 즈음까지만 해도 라디오든 텔레비전이든 드라마는 남성 작가가 쓰는 것이 보편적이었다. 소설조차도 여자가 뭔가를 쓴다는 것이 쉽지 않았던 시절이니, 여성 소설가는 특별히 ‘여류작가’라는 희한한 명칭으로 불리던 시대였다. 그런데 1970년대에 들어서서 MBC에서 김수현 바람이 불기 시작하더니, 1970년대 말에 이르러서는 남지연, 김수현, 나연숙이라는 여성 작가 트로이카 시대를 열었다. 1980년대 이후 드라마계에서 여성 작가 우세는 돌이킬 수 없는 현상이 되었다. 그러나 유독 1990년대까지 사극만은 남성의 영역이었다. 1980년대 ‘조선왕조 500년’ 시리즈를 집필한 신봉승, 1996년 <왕의 눈물>로 침체된 사극을 부활시킨 후 <태조 왕건>으로 이어갔던 이환경, 이 뒤를 이은 2000년 <허준>의 최완규, 2002년 <여인천하>의 유동윤, 2003년 <다모>의 정형수에 이르기까지 모두 남성 작가들이었다. 말하자면, 여성 작가들이 연애와 가족이라는 테두리 안에서 맴돌았던 것에 비해, 남성들은 정치와 전쟁, 역사 등 사회적인 이야기를 하는 식으로 일종의 분업이 이루어진 양상이었다.
권력 투쟁 중심의 남성 사극
그렇게 보자면 최근 여성 작가들이 사극에서 승승장구하는 것은 놀랄 만한 일이다. 그 변화는 이른바 퓨전 사극과 함께 나타났다. 사극만큼이나 여성 작가가 손대기 힘든 근현대사 소재로 <여명의 눈동자>, <모래시계> 신드롬을 만든 주인공 송지나가 2002년 <대망>으로 퓨전 사극을 시도했고, 이를 2003년 <대장금>이 이어가면서 대박을 터뜨렸다. <대장금>의 작가가 바로 올겨울 <뿌리 깊은 나무> 붐을 일으킨 바로 그 작가, 김영현이다. 김영현은 이후 <서동요>, <선덕여왕>을 거쳐 <뿌리 깊은 나무>로 이어갔다. 한편 2005년 <불멸의 이순신>을 성공적으로 마무리한 유선주는, 이후 <황진이>로 작가적 역량을 보여주었고 이후 대담하게도 <대왕 세종>을 성공시켰다. 여기에 역시 현대사 소재의 <서울 1945>의 둘째 작가로 시작한 정성희가, <자명고>를 거쳐 2011년 <근초고왕>으로 사극 여성 작가의 계보를 잇고 있다. 여기에 <바람의 화원>, <성균관 스캔들>, <공주의 남자> 같은 멜로 성향이 강한 사극까지 방향을 틀면 여성 작가는 훨씬 더 많아진다.
그런데 수적 우세보다 더 주목할 만한 것은, 주요한 여성 작가들이 보여주는 성향이다. 가장 쉽게 눈에 띄는 것은, 김영현, 윤선주로 대표되는 여성 사극 작가들의 작품의 인물 형상화이다. 여성 작가의 사극은, 남성 작가들 것에 비해 인물 성격이 입체적으로 탄탄하게 구축되어 있고 매우 섬세하다. 특히 여성 인물까지 살아있어 정치적 사건과 연애·가족 이야기가 뒤엉키는 사건 진행이 다면적이고 치밀하다. 2000년대 이후 남성 사극 작가들이 멋진 액션에 집착하고 남자 주인공의 어깨에 과도하게 힘을 주느라, 종종 캐릭터의 입체성과 구성의 균형감을 놓치는 것과 대조적이다.
그런데 이보다 더 주목할 만한 것이 있다. 바로 이 점이야말로, 이순신이나 세종, 선덕여왕 같은 흠결 없는 성군들을 재미있게 다루어내는 데에 성공하는 이유라는 점에서 더욱 더 주목할 만하다. 이들은, 사극에 ‘정치란 무엇인가’, ‘올바른 정치 지도자로서의 성공은 무엇인가’라는 본질적 질문을 담아내고 있다는 점이다. 이번 <뿌리 깊은 나무>의 재미의 원천이 바로 이 지점이었다.
남성 작가들의 사극이 보여주는 정치의 모습은, 다분히 단순한 권력 투쟁인 측면이 강하다. 주인공은 나름 야심이 없지 않지만 똑똑하고 순수함도 지니고 있던 인물로 설정되고, 이 멋진 인물이 정치판에서 권력을 잡으면서 타락하다가 몰락하는 이야기를 다루는 경우가 많다. 정치는 권력 싸움이고 인물은 ‘순수’에서 ‘타락’으로 가게 된다. 가끔 이 권력 싸움에서 승리하여 영웅의 면모를 보여주기도 하지만, 권력을 잡으면서 악덕과 타락을 저지르는 것은 어쩔 수 없는 일로 치부한다. <용의 눈물>의 이방원, <여인천하>의 정난정, <신돈>의 신돈, 그리고 지금 방송하고 있는 <인수대비>의 세조와 인수대비가 이러한 인물이다. <주몽>, <대조영>, <광개토태왕> 같은 영웅의 드라마에서조차, 그저 그가 주인공이기 때문에 ‘우리 편’이라고 생각하는 것일 뿐, 따지고 보자면 그 영웅들도 ‘적’들과 별다를 바 없이 권모술수를 구사하고 상대편을 무참히 죽이다가 가끔 은혜를 베푸는 인물이다. 그러니 시청자들은 이런 드라마를 보면서는 그저 권력 싸움만을 즐기게 된다. 우리가 현실 정치에서는 권력 투쟁을 그토록 혐오하고 있건만, 사극에서는 바로 그 단순한 권력 투쟁을 즐기고 있는 것이다.
여성 사극 작가의 힘
그에 비해 김영현이나 유선주의 작품은 다소 다르다. 물론 정치 이야기에서 권력 투쟁 이야기가 없을 수는 없다. 하지만 이들 작가는 그 이상의 것을 이야기하고 싶어 한다.
<대장금>과 <불멸의 이순신>에서 이들은 복잡한 권력 투쟁 한복판에서 희생되거나 겨우 살아 나가는 전문직과 무인의 이야기를 다루었다. 수라간 궁인으로 출발하여 의녀가 되는 장금이 이야기는, 권력 싸움 한복판에서 전문적 영역이 어떻게 왜곡되고 이용되는가를 생생히 보여준다. 정치 권력자에게 줄을 선 최상궁 편의 사람들은 자신의 전문적 지식을 이용하여 한쪽을 도와주고 그 대가로 가문의 부와 권세를 유지한다. 이순신은 오로지 전쟁에서 이기는 것만 생각하나, 정치인들은 그 과정에서의 이해득실을 따지고 심지어 왕은 공을 세우는 신하를 질투하기까지 한다. 결국 이 작품에서 이순신은, 스스로 죽음을 택함으로써 전쟁에서는 이기지만 현실 정치에서는 패배하는 선택을 한다. 전문가란 자신의 능력을 최고로 다듬어 이 땅의 사람들 모두를 이롭게 하는 것이어야 마땅하나, 현실에서 이들은 권력에 이리저리 휘둘리는 권력 없는 존재들이다. 장금이와 이순신은 권력 투쟁 속에서 이리저리 치이며 고통 받는 직장인들의 모습 그 자체였다.
그러나 이 작가들은 여기에서 머물지 않고 한 걸음 나아갔다. 김영현은 <서동요>를 통해, 기술자에서 왕으로 나아가는 인물을 그리기 시작했다. 정치 지도자가 권력 싸움을 슬기롭게 헤쳐 나가면서 자신의 원칙을 어떻게 지켜 나가야 할 것인가를 고민하기 시작한 것이다. 참여정부 시대 직후에 나온 <대왕 세종>에서 인물들은, 최고 지도자와 그 주변 인물로 산다는 것이 얼마나 힘들고 고달픈 일인지를 토로한다. 백성과 신하들의 날카로운 눈, 자신의 자리를 노리는 정적들과 늘 맞서야 하는 곳이 정치판이다. 그래서 이 작품에서는, 세자 자리를 내어놓는 양녕과 효녕은 물론, 형제, 처가, 사돈 집안(세종의 처가) 모두를 죽이면서 왕권 강화를 꾀했던 태종조차도 참으로 연민을 느끼게 만드는 인물이다. 이런 피바람 속에서 어렵사리 집권한 세종의 길은, 가장 밑바닥 백성과 하나 되는 길이었다. 이를 위해 역사 속에서는 발견되지 않는, 왕자 시절의 함경도 체험 이야기를 삽입하여 변방의 밑바닥 민중 체험을 한 인물로 만들었다.
한편 <선덕여왕>에서 선덕은 여기에서 한 걸음 더 나아간다. 버림받은 공주로서 밑바닥 체험을 한 것은 물론이거니와, 권력 투쟁의 최고 고수 미실과 대립하면서 그에게 권력 싸움의 방법을 배우고 그의 나쁜 정치를 비판하며 균형 있게 성장하는 것이다. <선덕여왕>에서의 최고 지도자는 아무도 가지 않은 새로운 길을 개척하고자 하는 인물이며, 그 길은 ‘여자가 왕이 되는 것’, 그리고 ‘삼한일통’의 길이었다. 그럼에도 불구하고 선덕여왕은, 백성과 개혁 세력, 기득권 세력들의 각축 속에서 슬기로운 처신이 결코 쉽지 않다는 것을 뼈저리게 보여준다. 백성을 위한다? 옳은 길을 향해 간다? 말로는 참 쉬운 일이다. 하지만 미실이 말한 대로 백성은 진실을 알려주면 부담스러워 한다. 이미 권력을 쥐고 있는 신하들을 모조리 죽여버릴 수도 없는 일이다. 정치에서 권력 투쟁이란 없을 수 없다. 이것을 없애는 것이 아니라, 이 속에서 어떻게 현명한 왕이 되는가가 이들의 목표가 되어야 하는 것이다. 정말 어느 대통령이 한 말을 빌리자면, ‘임금 해먹기 정말 힘들다.’
결국 여성 작가들은, ‘우리의 주인공’이 왕이 되는 것이 목표가 아니라, 과연 ‘어떤 왕이 되어야 하는가’를 질문하고 답하려 노력했다. 그것은 어떤 정치가 좋은 정치인가, 백성이나 신하들과 어떤 관계를 맺어야 할 것인가, 어떤 정책을 펴야 할 것인가의 문제를 고민하고 있다는 이야기이다. 정말 사극과는 거리가 멀어 보이는 홍미란·홍정은 자매조차 <쾌도 홍길동>에서 이렇게 질문한다. “그래, 네가 왕위를 이어야 하는 적통의 대군이라고? 그렇다고 네가 왜 임금이 되어야 하는데?”라고. 그러고는 홍길동은 이렇게 결론 내린다. “지금 왕보다는 네가 좀 낫다. 내가 너를 왕 만들어줄게.” 왕은 왕가의 자손이기 때문에 되는 것이 아니라, 어떤 정치를 할 것인가에 대한 비전과 정책이 있어야 하며, 그것을 선택하는 것은 국민이라고 이야기하고 있는 것이다.
이쯤 되면 올겨울 <뿌리 깊은 나무>의 위상이 보인다. 이 드라마에서 작가는, 지금의 화두를 국민들과의 소통으로 두고 있다. 백성은 그저 정치인의 처분대로 움직이는 사람들이 아니라, 스스로 읽고 생각하고 욕망하고 실현하면서 자신의 운명을 개척하는 존재라고 생각하는 것이다. 그것을 인정하고 열어줄 것인가, 아니면 백성의 어리석음을 인정하고 그들을 지도받는 존재로 여기며 현명한 통치를 할 것인가 하는 질문을 던지는 것이다. 훈민정음 창제야말로 국민을 스스로 권력을 만들어 나가는 정치의 주체로 만드는 선택이라고, 이 드라마는 감히 말하고 있는 것이다.
이렇게 ‘올바른 정치란 무엇인가’를 심각하게 고민하는 드라마가 여성 작가에게 집중되어 있다는 점은 참으로 생각할 만하다. 오랫동안 권력과 정치에서 소외되어 있던 여성들이 1970~90년대를 통해 성장했고, 그저 정치란 권력 싸움이라고 치부해버리는 통념을 깨고 ‘국민과 소통하며 국민을 행복하게 만드는 것이 정치’이며 ‘이를 통해 정치 지도자는 부단한 노력을 통해 국민과 함께 성장해야 한다’는 너무도 당연한 인식을 당당하게 말하기 시작했음을 의미하기 때문이다. 역시 올바른 정치란, 억눌림과 소외를 겪어보아야 제대로 인식할 수 있는 모양이다.
올해는 총선과 대선을 연달아 치르는 해이다. 몇 년간 인기 사극을 통해 확인한 민심이, 어떤 새로운 정치를 만들어낼지, 자못 궁금하다.
* 본 기사는 월간 <더뮤지컬> 통권 제 100호 2012년 1월 게재기사입니다.
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